lunes, 3 de diciembre de 2012
domingo, 2 de diciembre de 2012
SEMANA TRES
Música Nacionalista
El nacionalismo en México abarca tres décadas, de 1928, año de la fundación de la Orquesta Sinfónica de México, hasta 1958, año en que muere José Pablo Moncayo. Entre sus principales representantes están José Rolón (1875-1945), Silvestre Revueltas (1899-1940), José Pablo Moncayo (1912-1958), Carlos Chávez (1899-1978), Candelario Huízar (1883-1970), Luis Sandi (1905), Blas Galindo (1910) y Miguel Bernal Jiménez (1910-1956), entre otros.
El nacionalismo se refiere al uso de símbolos u objetos típicos de un territorio o de alguna región. Nace como un movimiento social del patriotismo criollo hacia el virreinato de la Nueva España.
El nacionalismo en México fue considerado uno de los movimientos más fuertes ya que ante todas las diferencias que existían, se mantenía la igualdad de derechos y la lengua española.
En México se utilizó música folclórica y danzas como para formar obras.
El nacionalismo comprende el periodo entre finales del siglo XVIII y mediados del siglo XIX. El nacionalismo es considerado una reacción a la música romántica alemana.
Algunos interpretes importantes
Julián Carrillo nace el 28 de enero de 1875 en Ahualulco, San Luis Potosí, México, y muere el 9 de septiembre de 1965, en la Ciudad de México. Sus primeros estudios los curso con el profesor Flavio Carlos, y más tarde se inscribió en el Conservatorio Nacional de Música. Carrillo se distinguió por su gran inquietud intelectual; escribió varios tratados técnico-pedagógicos de armonía, contrapunto, instrumentación, solfeo, etcétera.
En 1899 el gobierno de México lo becó para estudiar en Europa y seguir con su preparación en violín, en el Conservatorio de Leipzig, y después en el Conservatorio de Gante, Bélgica. A su regreso a México fue nombrado profesor del Conservatorio Nacional. Cabe agregar que Carrillo participó en numerosos congresos internacionales de música, al lado de Camille Sain Saens, Claude Debussy y Romain Rolland.
Entre sus obras se encuentran dos sinfonías, suites, obras para piano, violín, las óperas Matilde, Alma, Ossiam, y Xiulitl; y con su nuevo método denominado "Sonido 13" compuso Casi una fantasía, los poemas Cristóbal Colón, (quizás el más bello), y Horizontes, entre otros.
En el campo de la dirección de orquesta Julián Carrillo fundó y fue director de la Sinfónica "América", y en México estuvo a cargo de la dirección de la Orquesta Sinfónica Nacional.
Manuel M. Ponce
Nació en Fresnillo, Zacatecas, el 8 de diciembre de 1882 y murió en la Ciudad de México el 24 de abril de 1948. Es considerado el iniciador del nacionalismo musical mexicano.
Ponce tuvo tres aspectos importantes en su vida: el pianista, el compositor y el maestro; sin embargo sus actividades de compositor fueron quizás las más importantes. Estudió en Europa con Enrico Bossi, Luigi Torchi, Martín Krausse y Paul Dukas. Fue maestro del Conservatorio Nacional de Música, en donde dio clases de piano e historia de la música. De 1917 a 1919 fue Director de la Orquesta Sinfónica Nacional de México; y de 1925 a 1929 residió en París. En 1945 fue Director de la Facultad de Música de la Universidad Nacional.
José Rolón
Rolón (1883-1945) fue compañero de estudios en París de Manuel M. Ponce, de quien recibió, sin duda, cierta influencia, pues en un periodo inicial siguió las estructuras de la música romántica, sin embargo más tarde su producción musical se dirigió hacia formas más innovadoras. Pianista jalisciense, Rolón era un gran conocedor de las técnicas pianísticas, de ahí que sus obras para piano fueran, además de nutridas, de gran belleza, un ejemplo de ellas es: Tres danzas indígenas jaliscienses. Resulta curioso que en esta obra, considerada una de las más importantes de Rolón, el autor utiliza una notación particular que imita algunos procedimientos musicales que utilizan los mariachis mexicanos. En 1905 Rolón fue ganador del premio de música de cámara en el Conservatorio de París, ciudad en la que conoció a importantes músicos europeos.
Carlos Chávez
Nació en la Ciudad de México el 13 de junio de 1899. Manuel M. Ponce le dio clases de piano, sin embargo su formación como compositor fue autodidacta, y desde muy joven luchó por lograr un estilo muy personal de su música. Entre las primeras obras que presentó está H. P. (caballos de fuerza) que tuvo opiniones muy encontradas. En 1928 fundó la Orquesta Sinfónica Nacional, que años después tomaría el nombre de Orquesta Sinfónica de México. Asimismo, el 16 de diciembre de 1928 fue nombrado Director del Conservatorio Nacional de Música. En esta época tanto las actividades de la Orquesta como del Conservatorio tuvieron un dinamismo inusitado, seriedad y sobre todo modernidad. En 1929 logró crear el Coro de Conservatorio que tuvo una época verdaderamente brillante. En 1933 fue nombrado Jefe del Departamento de Bellas Artes, y en 1946 Director del Instituto de Bellas Artes. Su producción musical incluye cinco sinfonías, un Concierto para piano, Concierto para cuatro cornos, el ballet de Los cuatro soles, El corrido del sol, Llamadas, la ópera El amor propiciado, obras para piano, coro violín, etcétera.
Chávez es considerado un músico apasionado y pertinaz, dedicado por completo al trabajo. Su personalidad radical le llevó a estar siempre en numerosas polémicas sobre el arte, y, sobre todo, en el terreno musical. Fue Chávez quien situó a México en el mundo moderno de la música.
Silvestre Revueltas
Nació en Santiago Papasquiaro, Durango, el 31 de diciembre de 1899. A los siete años inició sus estudios musicales. En 1913 se trasladó a la Ciudad de México donde tuvo como maestro de violín a José Rocabruna y de composición al maestro Rafael Tello, y más tarde partió a Austin y Chicago en donde siguió sus estudios musicales. En 1920 inició sus actividades de concertista. Revueltas fue un gran director de orquesta, de tal suerte que en 1936 se le nombró Director de la Orquesta Sinfónica Nacional. Revueltas trabajó muy cerca de Chávez, y ambos se encargaron de la difusión de música nueva de tendencias avanzadas. Revueltas manifestó siempre un gran amor a todas las expresiones populares mexicanas. Rechazaba lo cursi y lo sensiblero, pero sabía manifestar muy bien la tristeza del oprimido, la ironía, la sátira. Su música fue vigorosa, tremendamente nacionalista, moderna y audaz, a veces humorística y en ocasiones agresiva, pero siempre de una gran sinceridad. Dejó cerca de 30 composiciones: música de cámara, canciones, obras orquestales, etc. Dentro de ellas encontramos melodías indígenas (La noche de los mayas), o de perfil mestizo (Cuauhnáhuac, Janitzio y Redes). En sus obras encontramos siempre el aspecto sonoro como una característica vigorosa, digamos también, irreverente.
La música se utilizo como una forma de tradición que indentificó al mexicano de ese tiempo, ya que sentía un gran orgullo al escucharla, esta tradición premanecia en los corazones de quien la adoptaba como suya.
En ella se mezclaban zapateados andaluces, polkas makurkas europeas, ritmos africanos y danzas francesas.
mientras en el resto del mundo lo que mas sonaba
http://tecapreciacionmusical.wordpress.com/2011/05/04/nacionalismo-musical-en-mexico/
semana dos
IMPRESIONISMO MUSICAL
Hablar de música impresionista
puede resultar inexacto ya que el Impresionismo es un movimiento pictórico. Al
traspasar categorías ópticas a categorías auditivas corremos el riesgo de caer
en convencionalismos formados de antemano. El color representa un factor vago e
impreciso cuando con él pretendemos definir una característica sonora. En lo
que sí podemos encontrar coincidencias es en la finalidad estética perseguida
por uno y otro arte. Pero entonces comprobaremos que la música llamada
impresionista se emparenta con otros movimientos estéticos diferentes y aún
opuestos al Impresionismo. Efectivamente, la sugestión tímbrica , que
constituye uno de sus rasgos más atractivos la enlaza con el Simbolismo
literario . Esto es debido a que en los últimos años del siglo XIX francés hubo
una serie de compositores que vivieron en estrecho contacto con los pintores
impresionistas y con los poetas simbolistas . Dar a esta música el calificativo
de “impresionista” es, por tanto, ver sólo una parte de la realidad.
La música impresionista no trata de expresar emociones
profundas ni de contar una historia, sino de evocar un clima, un sentimiento
fugaz, una atmósfera, con la ayuda de títulos sugerentes y ocasionales
reminiscencias de sonidos naturales, ritmos de danzas, trozos de melodía y cosas
similares. El Impresionismo se basa en la alusión y el sobreentendido, y en
cierto sentido, es la antítesis de las expresiones profundas, vigorosas y
rectilíneas de los románticos. Un rasgo común a todos los compositores
impresionistas va a ser un esteticismo a ultranza por el cual la obra de arte
es considerada un fin en sí misma, un objeto precioso e inútil cuya
contemplación hace olvidar lo grosero e imperfecto de la vida cotidiana. Sus
innovaciones son aceptadas y permiten que el desarrollo de la música se
produzca al mismo tiempo que el del resto de las artes. Por una vez, la música
no se queda atrás.
Recursos musicales del impresionismo Libertad cromática . Se
utilizan escalas antiguas, exóticas , exátonas ... y acordes sacados de éstas.
Vaguedad tonal : notas extrañas al acorde clásico. Se usa el movimiento de
bloques. Los acordes están al servicio de la melodía. Orquestación colorista ,
basada en los timbres. Se buscan sonoridades distintas a las utilizadas en la
música clásica. Los sonidos, al igual que los colores en la pintura, se
utilizan de forma autónoma y libre. El tiempo carece a menudo de finalidad, de
dirección, parece que se detiene para poder captar una visión, una atmósfera,
un olor.
CLAUDE DEBUSSY (1862-1918) En la Exposición Universal de
1889 conoce el folklore español y las músicas exóticas, que le impresionan
profundamente, especialmente la música de los gamelanes de Java. Este
descubrimiento le ayudó a superar los límites y tabúes de la música occidental.
Luego, en su obra, mostrará una preferencia especial por las escalas y las
armonías modales, con las que ensancha considerablemente el ámbito armónico de
su época.
En París frecuenta la tertulia que preside el poeta
simbolista MALLARMÉ , sobre uno de cuyos poemas escribe su célebre Preludio a
la Siesta de un Fauno (1892), pieza que señala la incorporación definitiva de
las nuevas estéticas a su música. Escribe el drama Pélleas et Mélisande , sobre
la obra de MAURICE MAETERLINCK , el principal representante del llamado “
Théâtre d´Art ” simbolista. DEBUSSY asigna a los cantantes un lenguaje
recitativo y a la vez melódico, emparentado con el “estilo representativo ” del
manierismo italiano, en cuanto se propone dar a las palabras su exacta
expresión musical. Sus obras sinfónicas denotan un cuidado exquisito de la
instrumentación y una forma particular de contemplar el paisaje. Así, La Mer ,
las Imágenes para orquesta y los 3 Nocturnos no son en modo alguno música
descriptiva, sino producto de una interiorización de la Naturaleza. En La Mer ,
rara vez utiliza la orquesta para obtener una sonoridad fuerte. Las cuerdas a
menudo están divididas y asordinadas, las arpas añaden un toque distintivo,
entre los instrumentos de viento, la flauta (sobre todo en el registro grave),
el oboe y el corno inglés intervienen en solos, a menudo con sordina. Otra
fuente de colorido son los instrumentos de percusión de variados tipos.
música de cámara
Cámara: se denominaba así, antiguamente, una de las
habitaciones de los palacios reales, reservada al uso particular del soberano,
y por extensión, también a los servidores del rey cuyas funciones se realizaban
en la cámara. Bajo el reinado de Francisco I, habiendo aumentado mucho el
número de los músicos ordinarios del rey, fueron divididos sus servicios en dos
grupos, uno de los cuales recibió el título de “Chantres de la Chambre”, lo que
les diferenciaba de los llamados “Chantres de la Capilla”. Desde mediados del
siglo XVII estos grupos fueron tres y se dedicaban a distintos servicios:
cámara, capilla y caballeriza. Los músicos de cámara, cantores e
instrumentistas, ejecutaban el repertorio profano en los conciertos íntimos
celebrados en los departamentos privados, y participaban en las ceremonias
ostentosas, en las fiestas y en la capilla. Este fue el motivo de que en todos
los países se adquiriese la costumbre de dominar “música de cámara” a las
composiciones destinadas a un pequeño número de ejecutantes y especialmente a
aquellas en las cuales no se repite cada una de las partes vocales o
instrumentales.
En “El mundo de la Música” encontramos:
Cámara: composición para un pequeño grupo instrumental, en
la que cada parte es más o menos independiente y con carácter de solo. La
música de cámara es mucho más íntima que la escrita para interpretarse en salas
de conciertos, y de aquí su nombre. Las combinaciones más frecuentes son:
- Trío (violín, viola y violoncelo)
- Trío de piano (piano , violín y violoncelo)
- Cuarteto de cuerda (2 violines, viola y violoncelo)
- Quinteto con piano (piano y cuarteto de cuerda)
- Sonatas para violín y piano o violoncelo y piano
- Quinteto para clarinete y cuarteto de cuerda
- Tríos, cuartetos, quintetos, sextetos, septiminos y
octetos en diferentes combinaciones de cuerda, viento y piano.
Y por último, definición que encontramos en el “Diccionario
Harvard de Música”:
Música de Cámara: tal y como se utiliza el término
actualmente, música escrita para e interpretada por un grupo reducido,
generalmente instrumental, con un instrumentista por parte. El término se ha
definido o delimitado de modo diverso en varias épocas, como reflejo de las
cambiantes condiciones sociales y musicales. En el s. XIX y una buena parte del
XX significaba música instrumental para grupos pequeños en la tradición
procedente de los maestros clásicos vieneses, Haydn, Mozart y Beethoven. Una
gran parte de esta música está escrita en formato de sonata en cuatro
movimientos y lleva títulos abstractos que indican el número de instrumentos
empleados (trío, cuarteto, quinteto, sexteto, septeto, octeto, noneto). La
música de cámara se ha escrito casi siempre para cuerda, pero también se han
utilizado con frecuencia piano y cuerda, un conjunto mixto de viento y cuerda,
viento solo y otras combinaciones. La música para un solo intérprete, con o sin
acompañamiento, suele quedar excluida de esta definición, porque la interacción
entre las voces se considera un elemento esencial de la misma.
http://www.slideshare.net/ICHGROLLENICHT/impresionismo-musical
http://musicadecamaradefiniciones.blogspot.mx/
semana uno
La música en el Romanticismo
Se desarrolla durante casi todo el siglo XIX (1815-1900
aproximadamente)
Principles compositores
Chopin, Liszt, Schumann, Berlioz, Mendelssohn, Bellini, Verdi, Wagner. Beethoven, Schubert y Rossini Brahms, Saint-
Saëns POSTROMANTICISMO: Richard Strauss, Mahler, Puccini
Características de la música del Romanticismo
·
Interés por los temas relacionados con lo
exótico, lo oriental y con el pasado.
·
interés por las grandes formas: sinfonía y
concierto que se expanden y modifican y también un gusto por pequeñas formas
para piano o para piano y voz.
·
Evoluciona la armonía clásica, a través de la
exploración de armonías con muchos cromatismos (alteraciones). La melodía es el
principal vehículo para la expresión de los sentimientos y pierde las
características clásicas de simetría y equilibrio.
El instrumento más importante del Romanticismo es el piano,
capaz de expresar las cualidades más buscadas por los románticos: brillantez e
intimidad. Se producen importantes mejoras técnicas en los instrumentos de
viento: Los de madera introducen el sistema de llaves y los de metal el sistema
de pistones (trompetas) Adolph Sax inventa el saxofón.
La opera
La ópera surge a principios de sigo XVII es un espectáculo
que mezcla el teatro, la música y la danza. Consiste en un argumento que se va
desarrollando mediante la actuación de los cantantes, que hacen también de
actores. En ella intervienen cantantes solistas, coros y orquesta.
Características
La estructura de una ópera comprende: Una parte inicial u obertura,
a cargo únicamente de la orquesta. Uno o varios actos en los que se
desarrolla la acción. Cada personaje está escrito para un tipo determinado de
voz. Si son ancianos, reyes o sacerdotes, el compositor elige a bajos o
barítonos. A los protagonistas, sobre todo cuando son jóvenes, se les pide una
voz más aguda: son los tenores. Las protagonistas femeninas suelen ser
sopranos, mientras que las contraltos suelen ser personajes trágicos.
La ópera italiana: el Bel Canto - La ópera italiana de
principios del siglo XIX continúa la tradición operística del siglo XVIII y se
mantiene la distinción entre ópera seria y bufa.Se desarrolla lo que se
conoce como
Bel Canto, expresión que se refiere a las cualidades que debía
poseer un buen cantante: hermosa melodía, emisión limpia de la voz El Bel
Canto encontró sus máximos exponentes en Rosini, Bellini y Donizetti.
Verdi: la culminación de la ópera italiana - Verdi
(1813-1901) es el gran genio de la ópera italiana del siglo XIX y el heredero
de Donizetti y Bellini. Verdi considera la obra como un modo de contar el drama
humano y por ello reclama en sus libretos situaciones emocionales y violentas.
Le interesan los argumentos históricos y románticos y los relacionados con la
unificación italiana. -Sus melodías son directas y sencillas, da mucha
importancia a los coros y enriquece la orquesta tanto en color como en textura
y armonía. -Algunas de sus óperas más famosas son Nabucco, Rigoletto, el
Trovador, La Traviata, Aida, Otelo
La ópera alemana: Richard Wagner -Richard Wagner concebía la
ópera como “la obra de arte total” en la que todo tiene importancia: poesía,
música, teatro (acción, decorado, etc.). -Un elemento fundamental en sus óperas
es el leitmotiv que es un elemento musical (acorde, melodía, etc.) que se
asocia a determinados personajes, objetos, pensamientos o lugares. -Óperas de
Wagner: El holandés errante, Tannhausser, Lohengrin
http://www.slideshare.net/rosarioa.slide/la-msica-en-el-romanticismo-7740556
http://www.slideshare.net/mabeatriz77/la-pera
domingo, 28 de octubre de 2012
semana 4
percusiones
se produce el sonido al golpear sobre ellos, como en el caso del timbal este intrumento se ha perfeccionado considerablemente ya que se puede afinar por medio de tornillos y aun por pedales los instrumentos percutores pueden variar según la partitura de acuerdo con la concepción del compositor
música clásica.
La musica clasica corresponde únicamente a la musica culta compuesta en el período clásico, de mediados del siglo XVIII hasta principios del XIX. El término “musica clasica” se ha extendido también a la música seria compuesta entre el medioevo y el presente.
En general se le llama “clasica”, pero los que saben, dicen que tal nombre se debe reservar para tal musica, pero sólo para la que se hizo en un tiempo determinado, que se conoce como el período clásico de la música, aquel periodo en el que se destacaron Haydn, Mozart y Beethoven.
Se pierde el ritmo mecánico y cuadrado del Barroco, en favor de ritmos más naturales y variados proviniendo muchas veces precisamente de la melodía. Se trata de encontrar tonalidades fáciles y simples, con preferencia de los tonos mayores sobre los menores, los cuales son únicamente utilizados cuando la musica quiere llegar a fuertes esferas de la expresión, mostrando a la musica clasica como algo alegre, brillante y claro.
Las formas más conocidas de la música clásica son la sonata y la ópera y losmás fieles representantes del género serán Franz Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven , siendo este último quien cerrará el período conocido como clasicismo y dejará un importantísimo legado que dará inicio al períodoromántico de la música, que será absolutamente inspirador para los artistas que lo sucederán en el siglo XIX.
formas y estilos musicales de occidente, uberto zanolli. escuelñ ancaional preparatoria,universidas autonoma de mexico, 1992, pp.105-106
temas de cultura musial, gustavo carrilo paz y fernando cataño m., trillas, pp 24-25
generosmusicales.supaw.com/musica_clasica.htmasica.htm
Consulta: Definición de Música Clásica » Concepto en Definición ABC http://www.definicionabc.com/audio/musica-clasica.php#ixzz29yoJEVRU
bibliografia:
se produce el sonido al golpear sobre ellos, como en el caso del timbal este intrumento se ha perfeccionado considerablemente ya que se puede afinar por medio de tornillos y aun por pedales los instrumentos percutores pueden variar según la partitura de acuerdo con la concepción del compositor
música clásica.
La musica clasica corresponde únicamente a la musica culta compuesta en el período clásico, de mediados del siglo XVIII hasta principios del XIX. El término “musica clasica” se ha extendido también a la música seria compuesta entre el medioevo y el presente.
En general se le llama “clasica”, pero los que saben, dicen que tal nombre se debe reservar para tal musica, pero sólo para la que se hizo en un tiempo determinado, que se conoce como el período clásico de la música, aquel periodo en el que se destacaron Haydn, Mozart y Beethoven.
Se pierde el ritmo mecánico y cuadrado del Barroco, en favor de ritmos más naturales y variados proviniendo muchas veces precisamente de la melodía. Se trata de encontrar tonalidades fáciles y simples, con preferencia de los tonos mayores sobre los menores, los cuales son únicamente utilizados cuando la musica quiere llegar a fuertes esferas de la expresión, mostrando a la musica clasica como algo alegre, brillante y claro.
Las formas más conocidas de la música clásica son la sonata y la ópera y los
formas y estilos musicales de occidente, uberto zanolli. escuelñ ancaional preparatoria,universidas autonoma de mexico, 1992, pp.105-106
temas de cultura musial, gustavo carrilo paz y fernando cataño m., trillas, pp 24-25
generosmusicales.supaw.com/musica_clasica.htmasica.htm
Consulta: Definición de Música Clásica » Concepto en Definición ABC http://www.definicionabc.com/audio/musica-clasica.php#ixzz29yoJEVRU
bibliografia:
sábado, 27 de octubre de 2012
semana 3
musica barroca
intrumentos metales
bibliografia:
formas y estilos musicales de occidente, uberto zanolli. escuelñ ancaional preparatoria,universidas autonoma de mexico, 1992, pp.105-106
temas de cultura musial, gustavo carrilo paz y fernando cataño m., trillas, pp 24-25
surgue entre 1600 y 1750. El
desarrollo musical del barroco puede describirse en tres fases, barroco
primitivo, medio y tardío, y que coinciden, más o menos, con periodos de 50
años.
Los compositores utilizan texturas musicales ligeras y
homófonas.
.El bajo continuo, o bajo cifrado, se convierte en el
cimiento musical de la mayor parte de las composiciones.
Se preserva un mismo clima o sentimiento musical a lo largo
de toda la pieza.
La familia de violines reemplaza a la de las violas
antiguas. La orquesta comienza a tomar forma, siendo su componente principal de
cuerdas.
El sistema de modos cae en desuso pòr completo hacia el
final del siglo XVII. Se basa ahora en el sistema de escalas mayores y menores
.
Formas musicales características utilizadas por compositores
del Barroco: binaria ,ternaria, las variaciones, la forma, ritornello, la fuga.
Tipos principales de música Barroca:vocal e instrumental.
A menudo se observa ritunos enérgicos que llevan la música
hacia delante. Las melodías son frecuentemente largas y fluidas.
intrumentos metales
En esta época se
desarrollan la sonata , el concierto grosso, la opera, el oratorio y el ballet
francés.
A diferencia de las anteriores épocas, la música sacra y la música profana forman parte de la profesión musical.
La música sacra es una forma de evangelización que nació en la época del renacimiento, donde a través de sonidos primeramente Monódicos y fuerte presencia vocal, se relataba un pasaje bíblico o se destacaban virtudes y valores cristianos. Su termino significa música sagrada, que a su vez deriva de sacratus. La música sacra fue desarrollada como parte de los ritos cristianos.
En su época la música sacra era una parte impotante de la vida diaria.
Josquin Des Prez, fue uno de los grandes compositores del renacimiento que dedico su vida a escribir música sacra
Algo interesante que pasó en esa época fue que en Roma, la Iglesia Católica estaba preocupada por que la música sacra se asemejaba demasiado a la música profana. Incluso consideró la prohibición total de la música en la Iglesia.
A diferencia de las anteriores épocas, la música sacra y la música profana forman parte de la profesión musical.
La música sacra es una forma de evangelización que nació en la época del renacimiento, donde a través de sonidos primeramente Monódicos y fuerte presencia vocal, se relataba un pasaje bíblico o se destacaban virtudes y valores cristianos. Su termino significa música sagrada, que a su vez deriva de sacratus. La música sacra fue desarrollada como parte de los ritos cristianos.
En su época la música sacra era una parte impotante de la vida diaria.
Josquin Des Prez, fue uno de los grandes compositores del renacimiento que dedico su vida a escribir música sacra
Algo interesante que pasó en esa época fue que en Roma, la Iglesia Católica estaba preocupada por que la música sacra se asemejaba demasiado a la música profana. Incluso consideró la prohibición total de la música en la Iglesia.
intrumnetos metales:
como su nombre lo dice ests intrumentos estan contruido genrakmete de laton por ejemplo la trompeta se emplea un aboquilla que pone en vibracion la columna de aire y para producir distintos sonidos se hace uso de los embolos o pistones asi como de dos cara moviles como en el caso del trombom en el que no se a generalizado el uso de pistones.
bibliografia:
formas y estilos musicales de occidente, uberto zanolli. escuelñ ancaional preparatoria,universidas autonoma de mexico, 1992, pp.105-106
temas de cultura musial, gustavo carrilo paz y fernando cataño m., trillas, pp 24-25
lunes, 22 de octubre de 2012
semana 2
percusiones
se produce el sonido al golpear sobre ellos, como en el caso del timbal este intrumento se ha perfeccionado considerablemente ya que se puede afinar por medio de tornillos y aun por pedales los instrumentos percutores pueden variar según la partitura de acuerdo con la concepción del compositor
música clásica.
La musica clasica corresponde únicamente a la musica culta compuesta en el período clásico, de mediados del siglo XVIII hasta principios del XIX. El término “musica clasica” se ha extendido también a la música seria compuesta entre el medioevo y el presente.
En general se le llama “clasica”, pero los que saben, dicen que tal nombre se debe reservar para tal musica, pero sólo para la que se hizo en un tiempo determinado, que se conoce como el período clásico de la música, aquel periodo en el que se destacaron Haydn, Mozart y Beethoven.
Se pierde el ritmo mecánico y cuadrado del Barroco, en favor de ritmos más naturales y variados proviniendo muchas veces precisamente de la melodía. Se trata de encontrar tonalidades fáciles y simples, con preferencia de los tonos mayores sobre los menores, los cuales son únicamente utilizados cuando la musica quiere llegar a fuertes esferas de la expresión, mostrando a la musica clasica como algo alegre, brillante y claro.
más fieles representantes del género serán Franz Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven , siendo este último quien cerrará el período conocido como clasicismo y dejará un importantísimo legado que dará inicio al períodoromántico de la música, que será absolutamente inspirador para los artistas que lo sucederán en el siglo XIX.
formas y estilos musicales de occidente, uberto zanolli. escuelñ ancaional preparatoria,universidas autonoma de mexico, 1992, pp.105-106
temas de cultura musial, gustavo carrilo paz y fernando cataño m., trillas, pp 24-25
generosmusicales.supaw.com/musica_clasica.htmasica.htm
Consulta: Definición de Música Clásica » Concepto en Definición ABC http://www.definicionabc.com/audio/musica-clasica.php#ixzz29yoJEVRU
bibliografia:
se produce el sonido al golpear sobre ellos, como en el caso del timbal este intrumento se ha perfeccionado considerablemente ya que se puede afinar por medio de tornillos y aun por pedales los instrumentos percutores pueden variar según la partitura de acuerdo con la concepción del compositor
música clásica.
La musica clasica corresponde únicamente a la musica culta compuesta en el período clásico, de mediados del siglo XVIII hasta principios del XIX. El término “musica clasica” se ha extendido también a la música seria compuesta entre el medioevo y el presente.
En general se le llama “clasica”, pero los que saben, dicen que tal nombre se debe reservar para tal musica, pero sólo para la que se hizo en un tiempo determinado, que se conoce como el período clásico de la música, aquel periodo en el que se destacaron Haydn, Mozart y Beethoven.
Se pierde el ritmo mecánico y cuadrado del Barroco, en favor de ritmos más naturales y variados proviniendo muchas veces precisamente de la melodía. Se trata de encontrar tonalidades fáciles y simples, con preferencia de los tonos mayores sobre los menores, los cuales son únicamente utilizados cuando la musica quiere llegar a fuertes esferas de la expresión, mostrando a la musica clasica como algo alegre, brillante y claro.
Las formas más conocidas de la música clásica son la sonata y la ópera y los
formas y estilos musicales de occidente, uberto zanolli. escuelñ ancaional preparatoria,universidas autonoma de mexico, 1992, pp.105-106
temas de cultura musial, gustavo carrilo paz y fernando cataño m., trillas, pp 24-25
generosmusicales.supaw.com/musica_clasica.htmasica.htm
Consulta: Definición de Música Clásica » Concepto en Definición ABC http://www.definicionabc.com/audio/musica-clasica.php#ixzz29yoJEVRU
bibliografia:
semana1
canto gregoriano
junto con los antos anglicano, galiciano y mozarabe es uno de los cuatro cantos cristiano occidentales
la influencia griega y sobre todo los cantos sinagogales recitativos del oficiante dieron forma al canto romano (del siglo III AL VII)
Flavius valerius claudius constatinus (constantino el grande ) un año después de haber sido nombrado emperador y después de su victoria sobre magnesio con el edicto de milán concedió la libertad del culto a los cristianos de occidente la terminación de la clandestinidad se reflejo en en el aumento participativo de los creyentes en actos litúrgicos y las basílicas vibraron de salmodias antifonicas himnos estróficos y las melodías se hicieron populares.
los acontecmientos apremiaron: el papa san silvestre I creo la primera schola cantoum, san jeronimo y el papa san damaso trabajaron en la sistematizacion de la liturgia que le papa san Gelasio I resumio en su sacramentarium gelasianum .
el gregoriano tiene una serie de elementos formales que se pueden resumir:
fue así como el canto romano adquirió universalidad conservando pura su tradición liturgica y el cantus planus por excelencia paso a la historia y se conoció con la nueva locución de canto gregoriano.
instrumentos de cuerdas:
se produce el sonido por medio de la frotación del arco en la cuerdas , las cuales transmiten las vibraciones al puente, el puente a la tapa, al puntal y a la tapa inferior
en una orquesta se utilizan 32 violines, 12 violas, 10 violocelos y 8 contabajos
bibliografia:
formas y estilos musicales de occidente, uberto zanolli. escuelñ ancaional preparatoria,universidas autonoma de mexico, 1992, pp.105-106
temas de cultura musial, gustavo carrilo paz y fernando cataño m., trillas, pp 24-25
junto con los antos anglicano, galiciano y mozarabe es uno de los cuatro cantos cristiano occidentales
la influencia griega y sobre todo los cantos sinagogales recitativos del oficiante dieron forma al canto romano (del siglo III AL VII)
Flavius valerius claudius constatinus (constantino el grande ) un año después de haber sido nombrado emperador y después de su victoria sobre magnesio con el edicto de milán concedió la libertad del culto a los cristianos de occidente la terminación de la clandestinidad se reflejo en en el aumento participativo de los creyentes en actos litúrgicos y las basílicas vibraron de salmodias antifonicas himnos estróficos y las melodías se hicieron populares.
los acontecmientos apremiaron: el papa san silvestre I creo la primera schola cantoum, san jeronimo y el papa san damaso trabajaron en la sistematizacion de la liturgia que le papa san Gelasio I resumio en su sacramentarium gelasianum .
el gregoriano tiene una serie de elementos formales que se pueden resumir:
- usa 8 escalas especiales que heredaron de los griegos: modos
- el ritmo es libre reducido a una especie de linea ondulante, ligera, muy flexible y que de cuanto puede ser excitante y machacon
- se persigue una exaltación estético espiritual de acercamiento a dios gracias a su concentración solemnidad sobriedad y sencillez
- es nomidoco es decir emplea melodías al unisono. se canta a apella sin instrumentos
- se canta en latín
- es música ligada a un texto en concreto el canto es meramente religioso y no tiene sentido sin el
fue así como el canto romano adquirió universalidad conservando pura su tradición liturgica y el cantus planus por excelencia paso a la historia y se conoció con la nueva locución de canto gregoriano.
se produce el sonido por medio de la frotación del arco en la cuerdas , las cuales transmiten las vibraciones al puente, el puente a la tapa, al puntal y a la tapa inferior
en una orquesta se utilizan 32 violines, 12 violas, 10 violocelos y 8 contabajos
bibliografia:
formas y estilos musicales de occidente, uberto zanolli. escuelñ ancaional preparatoria,universidas autonoma de mexico, 1992, pp.105-106
temas de cultura musial, gustavo carrilo paz y fernando cataño m., trillas, pp 24-25
domingo, 23 de septiembre de 2012
semana 5-6
El puntillo añade
a una figura la mitad de su valor. Por ejemplo, si le añadimos a la blanca que
tiene 2 tiempos un puntillo obtendremos un sonido con la duración de 3 tiempos
(la mitad de dos es 1, 2 + 1 = 3). Vemos a continuación el valor de las figuras
que conocemos hasta el momento luego de añadir el puntillo:
La ligadura nos
permite lograr el mismo efecto. Una ligadura añade a la 1ra nota
el valor de la 2da. Por ejemplo, si ligamos una negra a una blanca,
obtenemos un sonido de 3 tiempos de duración (igual a una blanca con puntillo).
Veamos un ejemplo
musical usando la blanca con puntillo y la blanca ligada a una negra.
Escucharán un sonido percusivo en cada tiempo y las figuras escritas tocadas
por un clarinete. Noten que el ritmo del primer compás (escrito con ligadura)
es igual al del segundo (escrito con puntillo):
La ligadura de valor es un símbolo que sirve para unir la duración
de dos figuras de valor que estén a la misma altura. Se trata de un
pequeño arco, paralelo al pentagrama que une a las dos notas musicales.
Cabe decir que mínimo son dos unidas,
pero pueden ver más notas afectadas por la ligadura. Por otro lado, en la
práctica solo se toca la primera
nota, y se mantiene sonando durante la suma de las restantes.
En la siguiente imagen se ve esto gráficamente:
Las notas ligadas no se tocan; solo la primera
durante la suma de las demás.
En la figura se muestran ligaduras de
valor que están dentro de un compás; no obstante, las ligaduras pueden exceder el compás,
extendiéndose al siguiente (incluso a alguno más allá). La ligadura de valor se renueva cuando une una nota del siguiente
compás.
La ligadura debe renovarse cuando exceda el
compás donde nació.
las que más se conocen son el sostenido y el bemol; pero las
restantes alteraciones también son importantes para respetar las reglas a la
hora de escribir en la partitura.
Las distintas clases de alteraciones.
- El sostenido sube medio tono la nota.
- El doble sostenido sube un tono la nota.
- El bemol baja medio tono la nota musical.
- El becuadro sirve para anular el efecto de
alteración.
En la práctica, y en algunos casos, al
subir dos alteraciones mediante las dobles alteraciones, se pasa a la nota
siguiente. Por ejemplo, el Fa doble sostenido coincidiría con la nota Sol; lo
mismo ocurre para una nota afectada por un doble bemol.
Alteraciones accidentales
Este tipo de alteraciones pueden
aparecer en notas que no estén afectadas por la armadura de clave. Son alteraciones que podemos hacer a las notas de
forma arbitraria. Cuando alteramos una nota, las notas que estén a la misma altura y en el
mismo compás se alterarán automáticamente.
http://www.teoria.com/aprendizaje/lectura/14-alt.php
http://www.aprende-gratis.com/teoria-musical/curso.php?lec=ligadura-puntillo
domingo, 9 de septiembre de 2012
semana 3-4
¿que es la barra de compas?
COMPÁS.- Es un trozo de música, cualquiera, dividido en grupos de igual duración.
¿que son los compases?
El compás es la forma que se emplea en música para agrupar los pulsos, dividiendo el tiempo en partes iguales, donde iremos acentuando un pulso de cada tanto en tanto, haciendo así los distintos tipos de compases:
Compases Binarios: si acentuamos un pulso de cada dos estaremos haciendo un compás de 2/4
Compases Ternarios: si acentuamos uno de cada tres pulsos estaremos haciendo un compás de 3/4.
Compases Cuaternarios: si acentuamos uno de cada cuatro pulsos estaremos haciendo un compás de 4/4.
cualquier clase de compas se forma con la combinacion de tiempos pesantes y tiempos ligeros para formar el compas bianrio se combina un tiempo pesante y un tienpo ligero para formar un compas ternario se combina un tiempo senate prolongando hasta el doble de su valor y otro ligero es requisito que todos los compases vallan colocados a la misma proporcion
los gradoas mas usuales son los siguentes
LAS CLAVES.- Nos identifican la ubicación de las notas musicales dentro del Pentagrama. sirve para dar nombre las notas puede ser sol fa y do en diferentes lineas
Las claves más conocidas, son tres:
1.- CLAVE DE SOL.- Sirve para escribir y leer tonos agudos, La Clave de sol se escribe dentro del Pentagrama, comenzando de la segunda línea; Dando a entender que, la nota que se encuentra en la segunda línea, se llama también SOL.
2.- CLAVE DE FA.- Sirve para escribir y leer tonos graves,
Teniendo en cuenta que si no existiera esta clave, la escritura de los tonos graves, se saldría de control en el pentagrama de SOL; La clave de Fa, se escribe, comenzando en la cuarta línea del Pentagrama, La nota que se encuentra en la cuarta línea, recibe el mismo nombre de la clave, FA; Así es fácil de identificar a las demás notas.
3.- CLAVE DE DO.- en 1ª, 2ª, 3ª o 4ª linea de estas sonlas mas usuales las de 3ª y cuarta lineas las otras dos sond e tranporte (cambiar el tono de en que esta escrita un partitura para adaptarla a una tesitura de uan voz o un instrumento)
silencios:Silencios musicales. Significan que se realice una recesión del sonido de ejecución, o lo que es lo mismo, que pare la musica. Conforman una parte ella porque al hacer silencio, el efecto que se origina hace que se embellezca, produciendo a su vez una sensación de relajación al auditorio. Son representados mediante signos y su uso es de vital importancia y obligatorio, pues no se concibe una interpretación sin descansos
Silencio de redonda
Toma el valor de esa nota y se denomina también De unidad, porque dura un tiempo completo del compás.
Silencio de blanca
Como la figura blanca equivale a dos tiempos que es la mitad del valor de la Redonda, el signo correspondiente a el es también llamado silencio de mitad.
Silencio de negra
En este caso la figura negra es relativa a un cuarto del tiempo y es llama De cuarto.
Silencio de corchea
Es lo mismo que decir silencio de Octavo.
Silencio de Semicorchea
Nombrada además de dieciseisavo o de Doble corchea o Semicorchea. A todas las anteriores les resta las de De Treintaidosavo o de Triplecorchea y de Sesentaicuatroavo o de Tetracorchea.
COMPÁS.- Es un trozo de música, cualquiera, dividido en grupos de igual duración.
el compas sirve para divir el tiempo y definir los acentos pere ser regular como 4/4 3/4 y 2/4 o irregular como 5/8 3/2 7/8 etc.
BARRAS DE COMPÁS.- En el Pentagrama, estos compases están separados por unas líneas verticales llamadas:líneas divisorias o barras de compás.
¿que son los compases?
El compás es la forma que se emplea en música para agrupar los pulsos, dividiendo el tiempo en partes iguales, donde iremos acentuando un pulso de cada tanto en tanto, haciendo así los distintos tipos de compases:
Compases Binarios: si acentuamos un pulso de cada dos estaremos haciendo un compás de 2/4
Compases Ternarios: si acentuamos uno de cada tres pulsos estaremos haciendo un compás de 3/4.
Compases Cuaternarios: si acentuamos uno de cada cuatro pulsos estaremos haciendo un compás de 4/4.
FIGURAS DE LOS COMPASES COMPUESTOS
cualquier clase de compas se forma con la combinacion de tiempos pesantes y tiempos ligeros para formar el compas bianrio se combina un tiempo pesante y un tienpo ligero para formar un compas ternario se combina un tiempo senate prolongando hasta el doble de su valor y otro ligero es requisito que todos los compases vallan colocados a la misma proporcion
los gradoas mas usuales son los siguentes
vivace, vivo animado muy rapido
sargueto menos lento que largo
largo muy lento
adagio simplemente lento
andante tranquilo (ni muy rapido ni muy lento)
allegro rapido movido
presto muy rapido lo mas rapido
andantino algo mas rapido que andante
| Numerador divisible entre 2 = | Compás binario |
| Numerador no divisible entre 2 = | Compás Ternario |
LAS CLAVES.- Nos identifican la ubicación de las notas musicales dentro del Pentagrama. sirve para dar nombre las notas puede ser sol fa y do en diferentes lineas
Las claves más conocidas, son tres:
1.- CLAVE DE SOL.- Sirve para escribir y leer tonos agudos, La Clave de sol se escribe dentro del Pentagrama, comenzando de la segunda línea; Dando a entender que, la nota que se encuentra en la segunda línea, se llama también SOL.
2.- CLAVE DE FA.- Sirve para escribir y leer tonos graves,
Teniendo en cuenta que si no existiera esta clave, la escritura de los tonos graves, se saldría de control en el pentagrama de SOL; La clave de Fa, se escribe, comenzando en la cuarta línea del Pentagrama, La nota que se encuentra en la cuarta línea, recibe el mismo nombre de la clave, FA; Así es fácil de identificar a las demás notas.
3.- CLAVE DE DO.- en 1ª, 2ª, 3ª o 4ª linea de estas sonlas mas usuales las de 3ª y cuarta lineas las otras dos sond e tranporte (cambiar el tono de en que esta escrita un partitura para adaptarla a una tesitura de uan voz o un instrumento)
silencios:Silencios musicales. Significan que se realice una recesión del sonido de ejecución, o lo que es lo mismo, que pare la musica. Conforman una parte ella porque al hacer silencio, el efecto que se origina hace que se embellezca, produciendo a su vez una sensación de relajación al auditorio. Son representados mediante signos y su uso es de vital importancia y obligatorio, pues no se concibe una interpretación sin descansos
Silencio de redonda
Toma el valor de esa nota y se denomina también De unidad, porque dura un tiempo completo del compás.
Silencio de blanca
Como la figura blanca equivale a dos tiempos que es la mitad del valor de la Redonda, el signo correspondiente a el es también llamado silencio de mitad.
Silencio de negra
En este caso la figura negra es relativa a un cuarto del tiempo y es llama De cuarto.
Silencio de corchea
Es lo mismo que decir silencio de Octavo.
Silencio de Semicorchea
Nombrada además de dieciseisavo o de Doble corchea o Semicorchea. A todas las anteriores les resta las de De Treintaidosavo o de Triplecorchea y de Sesentaicuatroavo o de Tetracorchea.
temas de cultura musical, GUSTAVO CARRILLO PAZ, FERNANDO CATAÑO M.trillas, mexico,pp.14-18
sábado, 8 de septiembre de 2012
semana 1-2
¿que son los elementos de la música?
ritmo música melodía y armonía
¿que es el ritmo?
ritmo: es el orden y la proporción en el tiempo y el espacio
ritmo musical: es la combinación o combinaciones de diferentes valores de tiempo y ase a cortos o largos, sonidos o silencio
ritmo:la sucecion de sonidos despierta la sensacion de movimientos cuando percibimos los sonidos en forma ordenada consite en disponer de tal modo los sonidos que la distancia regular o irregular produzaca en quien lso escuche una sensacion de descanso o mivimiento
Es la distribución de las duraciones sonoras en el tiempo y en el espacio.
Es la pauta de repetición a intervalos regulares y en ciertas ocasiones irregulares de sonidos fuertes o débiles, y silencios en una composición.
Es la división regular del tiempo. El ritmo está relacionado con cualquier movimiento que se repite con regularidad en el tiempo, en la música se lo divide por medio de la combinación de sonidos y silencios de distinta duración.
Es la distribución de los sonidos y silencios en unidades métricas establecidas.
¿que es la melodía?
melodía: es la sucesión de sonidos simples diferentes entre si por una altura, intensidad y duración. la melodía se basa en la inflexión expresiva y la acentuación y es por lo tanto, uno de los mejores medios de expresión
queda demostrado el carácter inmortal de la melodía con el uso progresivo de la armonía, contrapunto y ritmo que sirven para a inyectar nueva vida a viejas mediodías enriquecídas pero sin perder su fuerza original o carácter primitivo
¿que es la armonía?
armonía: es la relación mutua entre series de sonidos simultáneos "acordes" desde el punto de vista acústico no existen los sonidos puros ya que a unos es producidos a su vez por una serie de sonidos ocultos ( es decir muy dificiles de percibir por el oido humano), llamados armonicos ; de un examen detenido de estos sonidos armonicos se desprende que despues de la nota fundamental aparecen con mayor frecuencia intervalos de 3" y 5" o dicho de otra manera intervalos de 3" distintos superpuestos esto nos ofrece los principales acordes de la tonalidad osea: tonica subdominate dominante a los que se les conoce como armonías fundamentales.
¿que es la música?
es aquellas de las bellas artes que se ocupa de la combinacion de sonidos. buscnado la bellleza en la forma y l aexpresion de emocion
bibliografia:
temas de cultura musical, GUSTAVO CARRILLO PAZ, FERNANDO CATAÑO M., trillas, mexico, 1978, pp.29-31
como acecarse a la musica, JUAN ARTURO BRENAN, plaza y valdes editores, marzo 2001, mexico
http://oscrove.wordpress.com/teoria-musical/los-elementos-de-la-musica/
ritmo música melodía y armonía
¿que es el ritmo?
ritmo: es el orden y la proporción en el tiempo y el espacio
ritmo musical: es la combinación o combinaciones de diferentes valores de tiempo y ase a cortos o largos, sonidos o silencio
ritmo:la sucecion de sonidos despierta la sensacion de movimientos cuando percibimos los sonidos en forma ordenada consite en disponer de tal modo los sonidos que la distancia regular o irregular produzaca en quien lso escuche una sensacion de descanso o mivimiento
Es la pauta de repetición a intervalos regulares y en ciertas ocasiones irregulares de sonidos fuertes o débiles, y silencios en una composición.
Es la división regular del tiempo. El ritmo está relacionado con cualquier movimiento que se repite con regularidad en el tiempo, en la música se lo divide por medio de la combinación de sonidos y silencios de distinta duración.
Es la distribución de los sonidos y silencios en unidades métricas establecidas.
¿que es la melodía?
melodía: es la sucesión de sonidos simples diferentes entre si por una altura, intensidad y duración. la melodía se basa en la inflexión expresiva y la acentuación y es por lo tanto, uno de los mejores medios de expresión
queda demostrado el carácter inmortal de la melodía con el uso progresivo de la armonía, contrapunto y ritmo que sirven para a inyectar nueva vida a viejas mediodías enriquecídas pero sin perder su fuerza original o carácter primitivo
¿que es la armonía?
armonía: es la relación mutua entre series de sonidos simultáneos "acordes" desde el punto de vista acústico no existen los sonidos puros ya que a unos es producidos a su vez por una serie de sonidos ocultos ( es decir muy dificiles de percibir por el oido humano), llamados armonicos ; de un examen detenido de estos sonidos armonicos se desprende que despues de la nota fundamental aparecen con mayor frecuencia intervalos de 3" y 5" o dicho de otra manera intervalos de 3" distintos superpuestos esto nos ofrece los principales acordes de la tonalidad osea: tonica subdominate dominante a los que se les conoce como armonías fundamentales.
¿que es la música?
es aquellas de las bellas artes que se ocupa de la combinacion de sonidos. buscnado la bellleza en la forma y l aexpresion de emocion
bibliografia:
temas de cultura musical, GUSTAVO CARRILLO PAZ, FERNANDO CATAÑO M., trillas, mexico, 1978, pp.29-31
como acecarse a la musica, JUAN ARTURO BRENAN, plaza y valdes editores, marzo 2001, mexico
http://oscrove.wordpress.com/teoria-musical/los-elementos-de-la-musica/
lunes, 3 de septiembre de 2012
EL APARATO FONADOR
ESTRUCTURA DEL APARATO FONADOR El aparato fonador lo componen 3 órganos diferenciados: Órganos de respiración : Cavidades infraglóticas Órganos de fonación : Cavidades glóticas Órganos de articulación
LA CAVIDAD INFRAGLÓTICA Tenemos a los órganos de respiración como: PULMONES : Son los que presentan un papel más relevante. Proveen la Cantidad de aire suficiente para la fonación. Tienen dos movimientos: respiración y espiración (produce el sonido articulado) b . BRONQUIOS y C. TRÁQUEA
LA CAVIDAD INFRAGLÓTICA Tenemos a los órganos de respiración como: PULMONES : Son los que presentan un papel más relevante. Proveen la Cantidad de aire suficiente para la fonación. Tienen dos movimientos: respiración y espiración (produce el sonido articulado) b . BRONQUIOS y C. TRÁQUEA
- CAVIDAD GLÓTICA - LARINGEA Está conformado por los ÓRGANOS DE FONACIÓN : La laringe (tiroides) Cuerdas vocales y Resonadores-nasal, bucal y faríngeo- La vibración de las cuerdas vocales provoca la formación de una onda sonora , que conocemos con el nombre de tono
- CUERDAS VOCALES
- CAVIDAD SUPRAGLÓTICA Tenemos los ÓRGANOS DE LA ARTICULACIÓN como: Paladar Lengua (es el órgano más móvil) Dientes Labios Glotis Alveolos Velo del paladar Úvula
- ¿CÓMO SE PRODUCE LA VOZ? La voz se produce en el momento de la espiración del aire. Éste expulsado por los pulmones, pasa por los bronquios y la tráquea, y llega hasta la laringe. ES AQUÍ CUANDO SE PRODUCE LA VOZ, ya que el aire al encontrar la glotis cerrada, pugna por salir y hace vibrar las cuerdas vocales
- Cuando las cuerdas vocales se juntan, el aire choca contra ellas, produciendo el sonido que denominamos voz. La flexibilidad de las cuerdas vocales, permite diferenciar los distintos tipos de voces( ej. Tenor, soprano, contralto…) El sonido producido en las cuerdas vocales es muy débil; por ello, debe ser amplificado. Esto tendrá lugar en los resonadores nasal, bucal y faríngeo. Donde se producen modificaciones en ciertos sonidos y desvalorización de otros. La voz humana es moldeada por los articuladores( paladar, lengua, dientes, labios y glotis), transformándose en sonidos del habla: fonemas, sílabas, palabras…. La posición concreta de los articuladores determinará el sonido que emita la voz.
martes, 21 de agosto de 2012
PRIMERA PUBLICACIÓN
nombre: yolotzin Mendoza Delgado
escuela: Cedart Frida Kahlo
materia: lenguaje musical
maestero: daniel espinosa
grupo: 1º D-1
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