PROYECTO FINAL

SEMANA TRES

Música Nacionalista
El nacionalismo en México abarca tres décadas, de 1928, año de la fundación de la Orquesta Sinfónica de México, hasta 1958, año en que muere José Pablo Moncayo. Entre sus principales representantes están José Rolón (1875-1945), Silvestre Revueltas (1899-1940), José Pablo Moncayo (1912-1958), Carlos Chávez (1899-1978), Candelario Huízar (1883-1970), Luis Sandi (1905), Blas Galindo (1910) y Miguel Bernal Jiménez (1910-1956), entre otros.
El nacionalismo se refiere al uso de símbolos u objetos típicos de un territorio o de alguna región. Nace como un movimiento social del patriotismo criollo hacia el virreinato de la Nueva España.

El nacionalismo en México fue considerado uno de los movimientos más fuertes ya que ante todas las diferencias que existían, se mantenía la igualdad de derechos y la lengua española.

En México se utilizó música folclórica y danzas como para formar obras.

El nacionalismo comprende el periodo entre finales del siglo XVIII y mediados del siglo XIX. El nacionalismo es considerado una reacción a la música romántica alemana.
Algunos interpretes importantes

Julián Carrillo nace el 28 de enero de 1875 en Ahualulco, San Luis Potosí, México, y muere el 9 de septiembre de 1965, en la Ciudad de México. Sus primeros estudios los curso con el profesor Flavio Carlos, y más tarde se inscribió en el Conservatorio Nacional de Música. Carrillo se distinguió por su gran inquietud intelectual; escribió varios tratados técnico-pedagógicos de armonía, contrapunto, instrumentación, solfeo, etcétera.

En 1899 el gobierno de México lo becó para estudiar en Europa y seguir con su preparación en violín, en el Conservatorio de Leipzig, y después en el Conservatorio de Gante, Bélgica. A su regreso a México fue nombrado profesor del Conservatorio Nacional. Cabe agregar que Carrillo participó en numerosos congresos internacionales de música, al lado de Camille Sain Saens, Claude Debussy y Romain Rolland.

Entre sus obras se encuentran dos sinfonías, suites, obras para piano, violín, las óperas Matilde, Alma, Ossiam, y Xiulitl; y con su nuevo método denominado "Sonido 13" compuso Casi una fantasía, los poemas Cristóbal Colón, (quizás el más bello), y Horizontes, entre otros.

En el campo de la dirección de orquesta Julián Carrillo fundó y fue director de la Sinfónica "América", y en México estuvo a cargo de la dirección de la Orquesta Sinfónica Nacional.

Manuel M. Ponce

Nació en Fresnillo, Zacatecas, el 8 de diciembre de 1882 y murió en la Ciudad de México el 24 de abril de 1948. Es considerado el iniciador del nacionalismo musical mexicano.

Ponce tuvo tres aspectos importantes en su vida: el pianista, el compositor y el maestro; sin embargo sus actividades de compositor fueron quizás las más importantes. Estudió en Europa con Enrico Bossi, Luigi Torchi, Martín Krausse y Paul Dukas. Fue maestro del Conservatorio Nacional de Música, en donde dio clases de piano e historia de la música. De 1917 a 1919 fue Director de la Orquesta Sinfónica Nacional de México; y de 1925 a 1929 residió en París. En 1945 fue Director de la Facultad de Música de la Universidad Nacional.



José Rolón

Rolón (1883-1945) fue compañero de estudios en París de Manuel M. Ponce, de quien recibió, sin duda, cierta influencia, pues en un periodo inicial siguió las estructuras de la música romántica, sin embargo más tarde su producción musical se dirigió hacia formas más innovadoras. Pianista jalisciense, Rolón era un gran conocedor de las técnicas pianísticas, de ahí que sus obras para piano fueran, además de nutridas, de gran belleza, un ejemplo de ellas es: Tres danzas indígenas jaliscienses. Resulta curioso que en esta obra, considerada una de las más importantes de Rolón, el autor utiliza una notación particular que imita algunos procedimientos musicales que utilizan los mariachis mexicanos. En 1905 Rolón fue ganador del premio de música de cámara en el Conservatorio de París, ciudad en la que conoció a importantes músicos europeos.



Carlos Chávez

Nació en la Ciudad de México el 13 de junio de 1899. Manuel M. Ponce le dio clases de piano, sin embargo su formación como compositor fue autodidacta, y desde muy joven luchó por lograr un estilo muy personal de su música. Entre las primeras obras que presentó está H. P. (caballos de fuerza) que tuvo opiniones muy encontradas. En 1928 fundó la Orquesta Sinfónica Nacional, que años después tomaría el nombre de Orquesta Sinfónica de México. Asimismo, el 16 de diciembre de 1928 fue nombrado Director del Conservatorio Nacional de Música. En esta época tanto las actividades de la Orquesta como del Conservatorio tuvieron un dinamismo inusitado, seriedad y sobre todo modernidad. En 1929 logró crear el Coro de Conservatorio que tuvo una época verdaderamente brillante. En 1933 fue nombrado Jefe del Departamento de Bellas Artes, y en 1946 Director del Instituto de Bellas Artes. Su producción musical incluye cinco sinfonías, un Concierto para piano, Concierto para cuatro cornos, el ballet de Los cuatro soles, El corrido del sol, Llamadas, la ópera El amor propiciado, obras para piano, coro violín, etcétera.

Chávez es considerado un músico apasionado y pertinaz, dedicado por completo al trabajo. Su personalidad radical le llevó a estar siempre en numerosas polémicas sobre el arte, y, sobre todo, en el terreno musical. Fue Chávez quien situó a México en el mundo moderno de la música.


Silvestre Revueltas

Nació en Santiago Papasquiaro, Durango, el 31 de diciembre de 1899. A los siete años inició sus estudios musicales. En 1913 se trasladó a la Ciudad de México donde tuvo como maestro de violín a José Rocabruna y de composición al maestro Rafael Tello, y más tarde partió a Austin y Chicago en donde siguió sus estudios musicales. En 1920 inició sus actividades de concertista. Revueltas fue un gran director de orquesta, de tal suerte que en 1936 se le nombró Director de la Orquesta Sinfónica Nacional. Revueltas trabajó muy cerca de Chávez, y ambos se encargaron de la difusión de música nueva de tendencias avanzadas. Revueltas manifestó siempre un gran amor a todas las expresiones populares mexicanas. Rechazaba lo cursi y lo sensiblero, pero sabía manifestar muy bien la tristeza del oprimido, la ironía, la sátira. Su música fue vigorosa, tremendamente nacionalista, moderna y audaz, a veces humorística y en ocasiones agresiva, pero siempre de una gran sinceridad. Dejó cerca de 30 composiciones: música de cámara, canciones, obras orquestales, etc. Dentro de ellas encontramos melodías indígenas (La noche de los mayas), o de perfil mestizo (Cuauhnáhuac, Janitzio y Redes). En sus obras encontramos siempre el aspecto sonoro como una característica vigorosa, digamos también, irreverente.

 LA MÚSICA NACIONALISTA

La música se utilizo como una forma de tradición que indentificó al mexicano de ese tiempo, ya que sentía un gran orgullo al escucharla, esta tradición premanecia en los corazones  de quien la adoptaba como suya.
En ella se mezclaban zapateados andaluces, polkas makurkas europeas, ritmos africanos y danzas francesas.

mientras en el resto del mundo lo que mas sonaba

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http://tecapreciacionmusical.wordpress.com/2011/05/04/nacionalismo-musical-en-mexico/

semana dos

IMPRESIONISMO MUSICAL

 Hablar de música impresionista puede resultar inexacto ya que el Impresionismo es un movimiento pictórico. Al traspasar categorías ópticas a categorías auditivas corremos el riesgo de caer en convencionalismos formados de antemano. El color representa un factor vago e impreciso cuando con él pretendemos definir una característica sonora. En lo que sí podemos encontrar coincidencias es en la finalidad estética perseguida por uno y otro arte. Pero entonces comprobaremos que la música llamada impresionista se emparenta con otros movimientos estéticos diferentes y aún opuestos al Impresionismo. Efectivamente, la sugestión tímbrica , que constituye uno de sus rasgos más atractivos la enlaza con el Simbolismo literario . Esto es debido a que en los últimos años del siglo XIX francés hubo una serie de compositores que vivieron en estrecho contacto con los pintores impresionistas y con los poetas simbolistas . Dar a esta música el calificativo de “impresionista” es, por tanto, ver sólo una parte de la realidad.

La música impresionista no trata de expresar emociones profundas ni de contar una historia, sino de evocar un clima, un sentimiento fugaz, una atmósfera, con la ayuda de títulos sugerentes y ocasionales reminiscencias de sonidos naturales, ritmos de danzas, trozos de melodía y cosas similares. El Impresionismo se basa en la alusión y el sobreentendido, y en cierto sentido, es la antítesis de las expresiones profundas, vigorosas y rectilíneas de los románticos. Un rasgo común a todos los compositores impresionistas va a ser un esteticismo a ultranza por el cual la obra de arte es considerada un fin en sí misma, un objeto precioso e inútil cuya contemplación hace olvidar lo grosero e imperfecto de la vida cotidiana. Sus innovaciones son aceptadas y permiten que el desarrollo de la música se produzca al mismo tiempo que el del resto de las artes. Por una vez, la música no se queda atrás.

Recursos musicales del impresionismo Libertad cromática . Se utilizan escalas antiguas, exóticas , exátonas ... y acordes sacados de éstas. Vaguedad tonal : notas extrañas al acorde clásico. Se usa el movimiento de bloques. Los acordes están al servicio de la melodía. Orquestación colorista , basada en los timbres. Se buscan sonoridades distintas a las utilizadas en la música clásica. Los sonidos, al igual que los colores en la pintura, se utilizan de forma autónoma y libre. El tiempo carece a menudo de finalidad, de dirección, parece que se detiene para poder captar una visión, una atmósfera, un olor.

CLAUDE DEBUSSY (1862-1918) En la Exposición Universal de 1889 conoce el folklore español y las músicas exóticas, que le impresionan profundamente, especialmente la música de los gamelanes de Java. Este descubrimiento le ayudó a superar los límites y tabúes de la música occidental. Luego, en su obra, mostrará una preferencia especial por las escalas y las armonías modales, con las que ensancha considerablemente el ámbito armónico de su época.

En París frecuenta la tertulia que preside el poeta simbolista MALLARMÉ , sobre uno de cuyos poemas escribe su célebre Preludio a la Siesta de un Fauno (1892), pieza que señala la incorporación definitiva de las nuevas estéticas a su música. Escribe el drama Pélleas et Mélisande , sobre la obra de MAURICE MAETERLINCK , el principal representante del llamado “ Théâtre d´Art ” simbolista. DEBUSSY asigna a los cantantes un lenguaje recitativo y a la vez melódico, emparentado con el “estilo representativo ” del manierismo italiano, en cuanto se propone dar a las palabras su exacta expresión musical. Sus obras sinfónicas denotan un cuidado exquisito de la instrumentación y una forma particular de contemplar el paisaje. Así, La Mer , las Imágenes para orquesta y los 3 Nocturnos no son en modo alguno música descriptiva, sino producto de una interiorización de la Naturaleza. En La Mer , rara vez utiliza la orquesta para obtener una sonoridad fuerte. Las cuerdas a menudo están divididas y asordinadas, las arpas añaden un toque distintivo, entre los instrumentos de viento, la flauta (sobre todo en el registro grave), el oboe y el corno inglés intervienen en solos, a menudo con sordina. Otra fuente de colorido son los instrumentos de percusión de variados tipos.

música de cámara

Cámara: se denominaba así, antiguamente, una de las habitaciones de los palacios reales, reservada al uso particular del soberano, y por extensión, también a los servidores del rey cuyas funciones se realizaban en la cámara. Bajo el reinado de Francisco I, habiendo aumentado mucho el número de los músicos ordinarios del rey, fueron divididos sus servicios en dos grupos, uno de los cuales recibió el título de “Chantres de la Chambre”, lo que les diferenciaba de los llamados “Chantres de la Capilla”. Desde mediados del siglo XVII estos grupos fueron tres y se dedicaban a distintos servicios: cámara, capilla y caballeriza. Los músicos de cámara, cantores e instrumentistas, ejecutaban el repertorio profano en los conciertos íntimos celebrados en los departamentos privados, y participaban en las ceremonias ostentosas, en las fiestas y en la capilla. Este fue el motivo de que en todos los países se adquiriese la costumbre de dominar “música de cámara” a las composiciones destinadas a un pequeño número de ejecutantes y especialmente a aquellas en las cuales no se repite cada una de las partes vocales o instrumentales.

En “El mundo de la Música” encontramos:

Cámara: composición para un pequeño grupo instrumental, en la que cada parte es más o menos independiente y con carácter de solo. La música de cámara es mucho más íntima que la escrita para interpretarse en salas de conciertos, y de aquí su nombre. Las combinaciones más frecuentes son:

- Trío (violín, viola y violoncelo)

- Trío de piano (piano , violín y violoncelo)

- Cuarteto de cuerda (2 violines, viola y violoncelo)

- Quinteto con piano (piano y cuarteto de cuerda)

- Sonatas para violín y piano o violoncelo y piano

- Quinteto para clarinete y cuarteto de cuerda

- Tríos, cuartetos, quintetos, sextetos, septiminos y octetos en diferentes combinaciones de cuerda, viento y piano.

Y por último, definición que encontramos en el “Diccionario Harvard de Música”:

Música de Cámara: tal y como se utiliza el término actualmente, música escrita para e interpretada por un grupo reducido, generalmente instrumental, con un instrumentista por parte. El término se ha definido o delimitado de modo diverso en varias épocas, como reflejo de las cambiantes condiciones sociales y musicales. En el s. XIX y una buena parte del XX significaba música instrumental para grupos pequeños en la tradición procedente de los maestros clásicos vieneses, Haydn, Mozart y Beethoven. Una gran parte de esta música está escrita en formato de sonata en cuatro movimientos y lleva títulos abstractos que indican el número de instrumentos empleados (trío, cuarteto, quinteto, sexteto, septeto, octeto, noneto). La música de cámara se ha escrito casi siempre para cuerda, pero también se han utilizado con frecuencia piano y cuerda, un conjunto mixto de viento y cuerda, viento solo y otras combinaciones. La música para un solo intérprete, con o sin acompañamiento, suele quedar excluida de esta definición, porque la interacción entre las voces se considera un elemento esencial de la misma.

http://www.slideshare.net/ICHGROLLENICHT/impresionismo-musical

http://musicadecamaradefiniciones.blogspot.mx/

semana uno

La música en el Romanticismo

Se desarrolla durante casi todo el siglo XIX (1815-1900 aproximadamente)

Principles compositores Chopin, Liszt, Schumann, Berlioz, Mendelssohn, Bellini, Verdi, Wagner.  Beethoven, Schubert y Rossini Brahms, Saint- Saëns POSTROMANTICISMO: Richard Strauss, Mahler, Puccini

  Características de la música del Romanticismo

·         Interés por los temas relacionados con lo exótico, lo oriental y con el pasado.

·         interés por las grandes formas: sinfonía y concierto que se expanden y modifican y también un gusto por pequeñas formas para piano o para piano y voz.

·         Evoluciona la armonía clásica, a través de la exploración de armonías con muchos cromatismos (alteraciones). La melodía es el principal vehículo para la expresión de los sentimientos y pierde las características clásicas de simetría y equilibrio.

El instrumento más importante del Romanticismo es el piano, capaz de expresar las cualidades más buscadas por los románticos: brillantez e intimidad. Se producen importantes mejoras técnicas en los instrumentos de viento: Los de madera introducen el sistema de llaves y los de metal el sistema de pistones (trompetas) Adolph Sax inventa el saxofón.

La opera

La ópera surge a principios de sigo XVII es un espectáculo que mezcla el teatro, la música y la danza. Consiste en un argumento que se va desarrollando mediante la actuación de los cantantes, que hacen también de actores. En ella intervienen cantantes solistas, coros y orquesta.

 Características

La estructura de una ópera comprende: Una parte inicial u obertura, a cargo únicamente de la orquesta. Uno o varios actos en los que se desarrolla la acción. Cada personaje está escrito para un tipo determinado de voz. Si son ancianos, reyes o sacerdotes, el compositor elige a bajos o barítonos. A los protagonistas, sobre todo cuando son jóvenes, se les pide una voz más aguda: son los tenores. Las protagonistas femeninas suelen ser sopranos, mientras que las contraltos suelen ser personajes trágicos.

La ópera italiana: el Bel Canto - La ópera italiana de principios del siglo XIX continúa la tradición operística del siglo XVIII y se mantiene la distinción entre ópera seria y bufa.Se desarrolla lo que se conoce como 

Bel Canto, expresión que se refiere a las cualidades que debía poseer un buen cantante: hermosa melodía, emisión limpia de la voz  El Bel Canto encontró sus máximos exponentes en Rosini, Bellini y Donizetti.

Verdi: la culminación de la ópera italiana - Verdi (1813-1901) es el gran genio de la ópera italiana del siglo XIX y el heredero de Donizetti y Bellini. Verdi considera la obra como un modo de contar el drama humano y por ello reclama en sus libretos situaciones emocionales y violentas. Le interesan los argumentos históricos y románticos y los relacionados con la unificación italiana. -Sus melodías son directas y sencillas, da mucha importancia a los coros y enriquece la orquesta tanto en color como en textura y armonía. -Algunas de sus óperas más famosas son Nabucco, Rigoletto, el Trovador, La Traviata, Aida, Otelo

La ópera alemana: Richard Wagner -Richard Wagner concebía la ópera como “la obra de arte total” en la que todo tiene importancia: poesía, música, teatro (acción, decorado, etc.). -Un elemento fundamental en sus óperas es el leitmotiv que es un elemento musical (acorde, melodía, etc.) que se asocia a determinados personajes, objetos, pensamientos o lugares. -Óperas de Wagner: El holandés errante, Tannhausser, Lohengrin

http://www.slideshare.net/rosarioa.slide/la-msica-en-el-romanticismo-7740556

http://www.slideshare.net/mabeatriz77/la-pera